Un artiste est un individu faisant (une) œuvre, cultivant ou maîtrisant un art, un savoir, une technique, et dont on remarque entre autres la créativité, la poésie, l'originalité de sa production, de ses actes, de ses gestes. Ses œuvres sont source d'émotions, de sentiments, de réflexion, de spiritualité ou de transcendances.

Dans un sens commun, et plutôt péjorativement ou pour la disqualifier, on parle également d'artiste ou de poète à propos d'une personne étrange, marginale, oisive, rêveuse, qui fait n'importe quoi^[1], de quelqu'un qui n'a pas le sens des réalités, des règles, et est parfois considéré comme rebelle, sot ou fou^[2].

  Le statut de l'artiste

Dans l'Antiquité gréco-romaine ceux que l'on nomme aujourd'hui artistes « ont cherché à s'élever au-dessus de cette condition commune [...] en écrivant des traités sur leur art » (Agnès Rouveret^[3]). Aristote, évoquant « ceux qui furent exceptionnels^[4] », les caractérisait par leur mélancolie^[5]. Plus tard, du XIII^e siècle au XV^e siècle européen, le statut social de l'artiste se résume essentiellement à celui de simples artisans ou domestiques de cour^[6].

Mais, au cours de la Renaissance italienne, l'image des artistes est façonnée par des personnalités telles que Léonard de Vinci, Raphaël et Michel-Ange, dont l'influence sur leurs contemporains dépasse ce qui a précédé, ainsi que par l'apport de théoriciens comme Castiglione, Dante, Cennini, Ghiberti et Alberti^[7] inscrivant le « pouvoir créateur de l'esprit humain^[8] » au cœur de la culture humaniste.

  Quelques points de repères

En 1571^[9], un fait marquant est le décret pris par Côme de Médicis exemptant les peintres et sculpteurs florentins d'appartenir à une corporation. Cela est, huit ans après la fondation de l'Accademia del Disegno par Giorgio Vasari^[10], un des prémices de la fin du système médiéval des guildes d'artistes et de leurs accès au rang d'hommes de science^[11].

De même, trois personnages sont significatifs de la transformation du statut des artistes en occident, entre le Moyen Âge et la période contemporaine : Albrecht Dürer affirmant la « valeur ajoutée » qu'il apporte à l'œuvre, au-delà de la qualité des matériaux ; Nicolas Poussin, avec sa célébrité inédite, obligé de fuir ses commanditaires ; et Pierre Paul Rubens pour l'importance prise par la vie sociale et intellectuelle, autour de l'artiste, désormais concurrente de l'œuvre elle même^[12].

Avec Vincent van Gogh, la représentation que l'on se fait de l'artiste se combine avec l'ancien mythe du poète maudit^[13], très vivant depuis le XIX^e siècle, vers une figure de l'artiste en martyr, en marginal. Cela alors que dès les années 1920, Marcel Duchamp^[14], tirant les conséquences de la mort d'une certaine conception de l'art^[15], voire du discredit des artistes concernés, envisage que « chacun serait un artiste, mais méconnu en tant qu'artiste^[16] ».

  Dans les sociétés modernes

La sociologue Nathalie Heinich^[17] propose plusieurs angles pour comprendre la place des artistes dans les sociétés modernes : « conditions de travail, statut juridique, encadrement institutionnel, position hiérarchique, catégorie d'appartenance, fortune, mode de vie, accès à la notoriété, critères d'excellence, représentation qu'eux-mêmes, et les autres, se font de leur position – et jusqu'à leur caractère ou leur aspect physique... »

  En France

La France, par le code général des impôts^[18] et les organismes de sécurité sociale (Maison des Artistes et AGESSA), définit administrativement une ébauche de statut professionnel social et fiscal de l'artiste actuel.

Aujourd'hui, en France, l'artiste bénéficie du statut de cadre^{[réf. nécessaire]}.

  Histoire francophone du terme « artiste »

Avant le XVIII^e siècle, le terme^[19] concernait les étudiants des arts libéraux^[20], les artisans, etc. Du Bos, en 1719^[21], utilisait toujours l'expression « artisan illustre » pour un membre de la famille des peintres et poètes.

Après diverses variantes et en rupture avec le passé^[22], « artiste » prend le sens moderne de praticien des beaux-arts^[23] à la fin du XVIII^e siècle. C'est au début du XIX^e siècle qu'il concernera aussi les musiciens et les comédiens, puis tout autre créateur et interprète. Au même moment apparaît l'adjectif « artistique ».

Certains^[24] constateront que le terme artiste « finira par équivaloir, dans la modernité, à une sorte de titre nobiliaire », et que les frontières délimitant le monde de l'art, dans les faits, sont fondées selon l'activité (art et métiers d'art) ou l'implication de la personne (amateur ou professionnel), bien qu'une conception « vocationelle » (donc individualiste^[25]) s'est imposée en France, par exemple.

  Définition internationale

L'Unesco a proposée une définition ouverte, déterminée par la conscience individuelle, dans sa Recommandation relative à la condition de l'artiste (adoptée à Belgrade, le 27 octobre 1980^[26]) :

« On entend par artiste tout personne qui crée ou participe par son interprétation à la création ou à la recréation d'œuvres d'art, qui considère sa création artistique comme un élément essentiel de sa vie, qui ainsi contribue au développement de l'art et de la culture, et qui est reconnue ou cherche à être reconnue en tant qu'artiste, qu'elle soit liée ou non par une relation de travail ou d'association quelconque. »

  Citations

  Entre la « volonté de l'artiste » et la « volonté de l'œuvre »

Des esthéticiens, auteurs^[27] d'un rapport académique sur ce thème, rappellent :

« Si par « être un artiste », on entend plutôt un statut, la question peut alors relever d’une approche objective, à la fois historique et sociologique. On sait bien que le statut de l'artiste a une histoire, où se succèdent de grandes figures sans que jamais aucune ne soit entièrement abolie ou périmée par celles qui l'ont remplacée. [...] Cependant, le statut de l'artiste est toujours associé à une valeur. Car soutenir que tel individu est un artiste, c'est afficher la reconnaissance publique de quelque chose dont le nom a varié au fil des époques, et n'est jamais très sûr : aptitude, compétence, puissance, don... C'est sur ce plan de la valeur que Kant^[28] a repris la vieille question du génie^[29], développée dans les oppositions de l’artiste et du savant, du talent et du cerveau, de la manière et de la méthode ; oppositions contestées presque terme à terme par Valéry dans son Introduction à la méthode de Léonard de Vinci^[30]. Enfin, il [parait] difficile de passer sous silence la critique opérée par Dubuffet, non seulement du génie unique, mais aussi de l'idéalisme créateur, et du métier qui l'accompagne, en vertu duquel une œuvre résulte d'un plan intellectuel dont elle ne serait que la simple mise en application. Le théoricien italien Luigi Pareyson a finement montré que la création est le lieu sensible d'un débat dialectique^[31] entre la « volonté de l'artiste » et la « volonté de l'œuvre », entre liberté et nécessité : « l'artiste est d'autant plus créateur qu'il est plus soumis à la volonté de l'œuvre » (Conversations sur l'esthétique^[32]), attentif en somme à la résistance de la matière, comme à ses potentialités. »

  Balzac et le génie

Balzac, dans Le Curé de village de 1841, observe l'ignorance des sociétés sur l'origine du génie :

« L'homme de génie se révélera toujours en dehors des écoles spéciales. Dans les sciences dont s'occupent ces écoles, le génie n'obéit qu'à ses propres lois, il ne se développe que par des circonstances sur lesquelles l'homme ne peut rien : ni l'État, ni la science de l'homme, l'anthropologie, ne les connaissent. Riquet, Perronet, Léonard de Vinci, Cachin, Palladio, Brunelleschi, Michel-Ange, Bramante, Vauban, Vicat, tiennent leur génie de causes inobservées et préparatoires auxquelles nous donnons le nom de hasard, le grand mot des sots^[33]. »

  À propos du « pouvoir créateur de valeur de l'artiste »

Pierre Bourdieu termine sa conférence Mais qui a créé les créateurs ? (p. 221) par :

« Bref, il s'agit de montrer comment s'est constitué historiquement le champ de production artistique qui, en tant que tel, produit la croyance dans la valeur de l'art et dans le pouvoir créateur de valeur de l'artiste. Et l'on aura ainsi fondé ce qui avait été posé au départ, au titre de postulat méthodologique, à savoir que le « sujet » de la production artistique et de son produit n'est pas l'artiste mais l'ensemble des agents qui ont partie liée avec l'art, qui sont intéressés par l'art, qui ont intérêt à l'art et à l'existence de l'art, qui vivent de l'art et pour l'art, producteurs d'œuvres considérées comme artistiques (grands ou petit, célèbres, c'est-à-dire célébrés, ou inconnus), critiques, collectionneurs, intermédiaires, conservateurs, historiens de l'art, etc. »

  À propos des « différences de qualité »

En conclusion de son chapitre sur les Professionnels intégrés, francs-tireurs, artistes populaires et naïfs, Howard Becker (p. 275) recapitule :

« Ce ne sont pas les différences de qualité qui séparent toutes ces sortes d'art. On trouve des œuvres plus ou moins intéressantes dans chaque catégorie. Mais nous considérons toujours les œuvres hétérodoxes (celles qui ne sont pas réalisées sous les auspices d'un monde de l'art) selon une esthétique qui émane d'un monde, probablement un monde de l'art, auquel nous participons. C'est cette esthétique qui nous permet d'opérer une sélection dans l'énorme production de toutes les personnes qui ne sont pas des professionnels intégrés, de reconnaître que quelques œuvres sont dignes d'intérêt et méritent de sortir de la marginalité. À un autre moment, les membres d'un autre monde de l'art feront une sélection différente, si tant est que les mécanismes de conservation permettent aux œuvres de survivre pour pouvoir être choisies (cf. Moulin^[34], 1978, p. 244-247). »

  À propos des théories « chamaniques » des artistes

Jean-Loïc Le Quellec^[35] note (en référence à Richard Borshay Lee^[36]) après sa Petite histoire de la lecture chamanique de l’art préhistorique :

« Le réductionnisme biologique ne sachant voir dans l’art que le produit d’une alchimie cérébrale provoquée par la transe conduit à dénier aux artistes la possibilité d’une expression libre, originale, portant sur des thématiques variées et non inféodées à des lois neuropsychologiques universelles, contrairement à ce qui est généralement admis pour les autres cultures. »

  Annexes

  Les activités d'artistes

Les artistes sont présents dans diverses activités

  Pistes bibliographiques

Voir plus de références ici.

• Ernst Kris et Otto Kurz^[37], L'Image de l'artiste : légende, mythe et magie. Un essai historique, Paris, 1987 (ISBN 2-86930-098-0).
  Trad. de Legend, Myth and Magic in the Image of the Artist : An Historical Experiment, New Haven, Londres, 1979 ; trad. basé sur Die Legende vom Künstler : ein geschichtlicher Versuch, Vienne, 1934.
• Paul Oskar Kristeller, Le système moderne des arts : étude d'histoire de l'esthétique, Nîmes, 1999 (ISBN 2-87711-207-1).
  Trad. de The modern system of the arts, dans Journal of the History of Ideas, 12 et 13, 1951 et 1952, p. 496-527 et 17-46 ; rééd. 1965 et 1980 ; nouv. éd. 1990.
• Claude Lévi-Strauss :
  • La Pensée sauvage, Paris, 1962, en part. p. 26-33.
  • Regarder écouter lire, Paris, 1993 (ISBN 2-259-02715-6).
• Margot et Rudolf Wittkower, Les Enfants de Saturne : psychologie et comportement des artistes de l'Antiquité à la Révolution française, Paris, 1985 (1^er éd. 1963) (ISBN 2-86589-013-9).
  Trad. de Born under Saturn: The character and conduct of artists.
• Jean Gimpel, Contre l'art et les artistes ou La naissance d'une religion, Éd. universitaires, 1968 ; éd. augm. avec une préf. de Philippe Delaveau, 1991 (ISBN 2-7113-0441-8).
  Une histoire du statut de l'artiste, depuis Giotto jusqu'à la décadence de l'art moderne.
• Enrico Castelnuovo :
  • Per una storia sociale dell'arte [Colloque, Institut suisse de Rome, 1975], dans Paragone, 313 et 323, 1976-1977 ; trad. en franç. L'histoire sociale de l'art : un bilan provisoire, dans Actes de la recherche en sciences sociales, 2, Paris, 1976, en part. p. 74.
  • L’artista, dans L'uomo medievale, 1987.
• Pierre Bourdieu, voir parmi ses nombreux textes à ce sujet :
  • Lettre à Paolo Fossati^[38] à propos de la Storia dell'arte italiana, dans Actes de la recherche en sciences sociales, 31, Paris, 1980, p. 90-92 (en ligne).
  • Mais qui a créé les créateurs ?, dans Questions de sociologie, Paris, 1980, p. 207-221 ; nouv. éd. 1984.
    Conférence à l'École nationale supérieure des arts décoratifs en avril 1980.
• Howard Becker, Les Mondes de l'art, Paris, 1988 (ISBN 978-2-0808-0149-4) (critique par Pierre-Jean Benghozi) ; trad. de Art Worlds, Berkeley, 1982 (ISBN 978-0-520-05218-5).
• Magiciens de la terre : [exposition, 18 mai-14 août 1989], Centre Georges Pompidou, Musée national d'art moderne, La Villette, la Grande halle, sous la dir. de Jean-Hubert Martin, Paris, 1989 (ISBN 2-85850-498-9) (notice).
• Agnès Rouveret, Critique d'art (Antiquité gréco-romaine), dans Encyclopædia Universalis, Paris, av. 1992 [consulté dans l'éd. 2004].
• Nadeije Laneyrie-Dagen, L'artiste. La formation, la question sociale, dans La peinture, sous la dir. de Jacqueline Lichtenstein, Paris, 1995, p. 721-723 et sq. (Textes essentiels) (ISBN 2-03-741027-1).
  Ce chapitre contient des extraits d'Étienne Boileau, Leon Battista Alberti, Léonard de Vinci, Albrecht Dürer, Paul III à Michel-Ange Buonarroti, Francisco de Holanda, Charles Loyseau, Nicolas Poussin, Martin de Charmois, Colbert, Jacques Restout, Roger de Piles, Jean-Baptiste Dubos, Denis Diderot, Charles-Nicolas Cochin, Jacques-Louis David, Émile Zola, Octave Mirbeau et Antonin Artaud.
• Nathalie Heinich aborde ce sujet dans plusieurs ouvrages, dont :
  • L'Élite artiste. Excellence et singularité en régime démocratique, Paris, 2005 (ISBN 2-07-077492-9).
  • Être artiste : les transformations du statut des peintres et des sculpteurs, Paris, 1996 ; repr. 2005 (50 questions) (ISBN 2-252-03532-3).
    Ouvrage pratique et de synthèse, reprenant certaines conclusions de ses études précédentes : Du peintre à l'artiste : artisans et académiciens à l'âge classique, Paris, 1993 (ISBN 2-7073-1454-4) ; La gloire de Van Gogh : essai d'anthropologie de l'admiration, Paris, 1991 (ISBN 2-7073-1398-X) ; Le triple jeu de l'art contemporain. Sociologie des arts plastiques, Paris, 1998 (ISBN 2-7073-1623-7).
• Marie Buscatto, L’art et la manière : ethnographies du travail artistique [L’art au travail. Introduction], dans L’art au travail, Paris, 2008, p. 5-13 (Ethnologie française, 38) (ISBN 2-13-056598-7) (en ligne).

Quelques autres approches consultées pour rédiger cet article 

• Morris Weitz, The Role of Theory in Aesthetics, dans Journal of Aesthetics and Art Criticism, 15-1, Philadelphia (PA), 1956, p. 27–35 (en ligne payant).
• Xavier Desjeux, La Convention de Rome (10-26 octobre 1961) : Étude de la protection des artistes, interprètes ou exécutants, des producteurs de phonogrammes et des organismes de radiodiffusion, Paris, 1966.
• Michèle Vessillier-Ressi, La condition d'artiste : regards sur l'art, l'argent et la société. Les écrivains, peintres, sculpteurs, graphistes, cinéastes, photographes, compositeurs... vus par eux-mêmes, Paris, 1997 (ISBN 2-84001-104-2) (extraits ; critique par Bernard Lahire).
• Philippe Pujas, Jean Ungaro et Karelle Ménine, Une éducation artistique pour tous ?, Ramonville Saint-Agne, 1999 (ISBN 2-86586-701-3).
• Marc Perrenoud, Partitions ordinaires. Trois clivages habituels de la sociologie de l’art questionnés par les pratiques musicales contemporaines, dans Sociétés, 85 (2004-3), Louvain-la-Neuve, Paris, 2004, p. 25-34 (ISBN 2-8041-4591-3) (en ligne).
• Sophie Lugon-Moulin, Naissance et mort de l’artiste. Recherche sur les Vies de Vasari [Thèse de Doctorat sous la dir. de Victor I. Stoichita et Pascal Griener], Fribourg, 2005 (texte en ligne).
• Les peuples de l'art : actes du colloque de Nantes, novembre 2002, sous la dir. de Joëlle Deniot et Alain Pessin, Paris, 2006, 2 vol. (ISBN 2-296-00228-5 et 2-296-00229-3) (et un événement autour du colloque par Carole Launai).
• Pierre Lauret et Olivier Schefer, Rapport sur l’épreuve écrite d'esthétique et sciences de l'art : Suffit-il, pour être artiste, de le vouloir ? et texte de Jean Dubuffet (L’homme du commun à l’ouvrage, Gallimard, Paris, 1973, pp. 98-99), II. Éléments de réflexion sur le sujet, dans Agrégation arts, concours externe, option Arts plastiques : sessions 2006. Rapport, dir. Hélène Sorbe, Paris, 2006, p. 28-30 et bibliogr. p. 6 [Question au programme des sessions 2004-2005-2006 : « L’artiste »] (pdf en ligne).
• Interviews [137 interviews d'artistes qui font la culture d'aujourd'hui : 1987-2007], dir. Christian Fevret et Pascal Bertin, Paris, nov. 2007 (Les Inrockuptibles. Hors-série collector) (ISSN 0298-3788) (annonce).
• Philippe Pataud Célérier, L’art (contemporain) de bâtir des fortunes avec du vent. Qui fixe la valeur d’une création ?, dans Le Monde diplomatique, Paris, août 2008, p. 22-23 (en ligne).
• Jean-Michel Lucas^[39], Repenser la place de l’art et de la création dans la société et auprès de la population [Séminaire aux Halles de Schaerbeek], Bruxelles, 2008 (en ligne).
• Yves Michaud, Que font les artistes ? [Conférence du 5 février 2008 au Lycée Emile Duclaux, Aurillac], Paris, 2008, 70 min 39 s (Université de tous les savoirs au lycée) (en ligne).

  Notes et références

  Articles connexes

• Homme de la rue
• Économie du travail des artistes, Marché de l'art et Politiques publiques de la culture et des arts
• Critique d'art
• Liste d'artistes en art contemporain, des créateurs d'art actuel, de poètes, les catégories des listes en rapport avec l'art dont les personnalités du monde artistique de Wikipédia.
• Liste d'historiens de l'art et de théoriciens de l'art
• Artiste de guerre

  Liens externes

• Richard Ste-Marie, Qu'est-ce qu'un artiste ? La définition de l'« artiste » vue par différentes personnalités, émission de radio du 9 octobre 2005, Éd. Mémoire Vive (Québec).
• Artiste dans la base du Centre national de ressources textuelles et lexicales.
• (en) Barry Hartley Slater, Aesthetics, 5. Intentions, dans Internet Encyclopedia of Philosophy, Martin (TN), 2006.
• (en) Thomas Adajian, The Definition of Art, 4. Contemporary Definitions, dans Stanford Encyclopedia of Philosophy, Palo Alto, Stanford (CA), 2007.

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